Joseba Acha

 

---

LA CARBONERÍA: GALERÍA, PAPEL, IDENTIDAD

---

Levedad, obras de Asun Valet

 

 

María Tosat y Joseba Acha son los responsables de este proyecto. En esta ocasión hemos hablado con Joseba, que nos cuenta el  papel que desempeña un espacio expositivo en una ciudad como Huesca, de aproximadamente 50.000 habitantes y de su apuesta artística, centrada en la obra de arte sobre papel.
Un espacio grande, no tanto por sus dimensiones sino por lo que supone abrir una galería de arte en un momento en que muchos de estos espacios han desaparecido y los que continúan con su actividad tienden a reinventarse, adaptándose a los tiempos que corren.

 

 

La Carbonería, espacio de arte nace en 2004 de la mano de María Jesús Buil, que dirigió el proyecto durante doce años y obtuvo en 2012 el reconocimiento de la Asociación Aragonesa de Críticos de Arte como mejor espacio expositivo de Aragón. Durante este periodo la galería se centró en arte aragonés y español de los siglos XX y XXI.

En 2017 María Tosat y Joseba Acha tomamos las riendas de la galería. Tras un par de meses de trabajo previo, reabrimos las puertas en febrero. El reto de relanzar un proyecto como éste en el que el legado anterior tanto artístico como social tiene tanto peso supone un reto más allá del propio funcionamiento corriente ya que implica responsabilidades hacia los artistas, la ciudad y la genealogía misma de la galería.

 

 

La galería a lo largo de su primera etapa estableció una singular relación con la ciudad. Siendo la única galería de arte de Huesca pronto adquirió un papel central en la comunidad artística estableciendo colaboraciones y conexiones con el ámbito institucional y con otros sectores y colectivos, haciéndoles el arte contemporáneo más cercano.

Una galería tiene como objetivo primordial la venta de obras de arte, es la base de su sostenibilidad. Ahora bien, su actividad puede trascender esa función comercial para convertirse también en un lugar de reflexión y un punto de encuentro entre la comunidad artística y la ciudad. Ese fue objetivo para María Jesús y ese es para nosotros, establecer La Carbonería como espacio de pensamiento y debate sobre el arte actual y la utilización del papel.

 

 

La galería siempre ha tenido un interés por integrarse en el tejido artístico local y que la relación con los artistas sea muy estrecha de manera natural. La galería juega ese papel centralizado en el tejido artístico por ser la única en la ciudad y tiene la capacidad de dar a conocer el trabajo de los y las artistas locales no solo en Huesca sino también a nivel regional y nacional.

Nos gusta trabajar con creadores del entorno más inmediato, pero también estamos abiertos a que en Huesca pueda verse el trabajo de otros artistas aragoneses o nacionales, cuyo trabajo nos parece interesante apoyar y dar a conocer. Sobre todo teniendo en cuenta el denominador común que tienen todos ellos, la utilización del papel en sus obras de muy diversas formas.

La situación económica actual no es un secreto para nadie y condiciona todos los aspectos de la esfera cultural, desde la capacidad de producción de los artistas hasta las programaciones institucionales pasando, por supuesto, por el mercado. Pero hay otros factores menos visibles que están modificando actualmente la relación de la sociedad con las galerías de arte.

La crisis de la vivienda sumada a la precariedad laboral dificulta a los jóvenes el acceso a casas propias. Las mudanzas habituales y las viviendas compartidas (entre sí, con padres y familiares,…) impiden ver la casa como hogar propio, lo que ha provocado que los muebles se hayan convertido en objetos perecederos, en el caso de las obras de arte se vuelve casi un problema de conservación y almacenamiento. Es también comprensible que en una situación de habitual inestabilidad los hábitos de consumo tiendan al corto plazo primando lo nuevo sobre lo duradero.

La relación con el arte también ha cambiado mucho en los últimos años, los hábitos culturales se han transformado especialmente desde el desarrollo de la industria del ocio tal como existe hoy sobre todo a partir de los 70 en la que los relatos abarcan diferentes canales (cine, TV, cómic, y más tarde Internet) y productos (posters, juguetes y demás merchandising). Hoy día

 

 

podemos ver cómo la expansión de esta cultura de mercado alcanza medios o códigos antes reservados a expresiones artísticas que poco antes algunos podrían haber rechazado por elitistas (grandes exposiciones dedicadas a series o conciertos sinfónicos de bandas sonoras de películas), lo que relega expresiones artísticas con cargas simbólicas ajenas a esos códigos, a áreas periféricas y que ahonda en una brecha cultural generacional que en España suma además el factor de la Transición.

Esto no quiere decir que el coleccionismo desaparezca, pero sí que en muchos casos generaciones más jóvenes han cambiado el foco a otros elementos. La preponderancia de la cultura de consumo como referente cultural entre quienes crecieron a partir de los 80 provoca que la relación emocional y estética con el objeto se desplace del arte a otros terrenos, desde los cómics al atrezzo de películas o los art toys.

 

 

Por eso el relevo generacional de compradores de arte requiere replantear mucho más que la percepción del precio que a veces se lleva todas las atenciones y no parece tener tanto peso como estos otros factores.

Aunque tanto María como Joseba tenemos experiencia en diferentes aspectos de las artes visuales, no provenimos del ámbito del mercado (nuestra experiencia en galerías en ambos casos ha sido bastante anecdótica) y hemos trabajado además en otro tipo de proyectos en el que las lógicas de producción y relación con el entorno funcionan diferente (cultura comunitaria, programas públicos,…).

Esa experiencia en otros ámbitos de la cultura hace que lleguemos al galerismo con la convicción de que especialmente en el contexto actual, donde el ruido mediático requiere muchas veces de proyectos mayores que otorguen visibilidad y en el que al mismo tiempo las condiciones económicas convierten el crecimiento estructural de la organizaciones en una trampa, la vía de la coproducción es una herramienta fundamental para poder llegar más lejos sin desestabilizarse. La construcción conjunta de proyectos, ciclos, circuitos, en los que se puedan unir recursos e ideas de galerías, residencias artísticas o centros de producción, multiplica exponencialmente el recorrido posible de esas iniciativas.

 

 

En cualquier caso el galerismo es una actividad que requiere plantearse siempre a largo plazo y nosotros estamos en el inicio. Son incontables las galerías que han nacido recientemente en Europa con el objetivo de establecerse en la cima muy pronto y figurar en revistas, eventos y ferias de primer nivel y no han aguantado los primeros años. Al reabrir la galería nos planteamos la actividad paulatinamente, afianzando las dinámicas diarias y ampliando progresivamente nuestro radio de acción a otro tipo de actividades y formas de trabajo más complejas.

La galería durante la etapa anterior fue paulatinamente dando un espacio mayor a la obra gráfica llegando incluso a realizar ediciones propias. A partir de este factor decidimos tomar el papel, que es un material que siempre nos ha interesado mucho, como elemento principal de nuestra línea de trabajo como soporte y también como materia misma de trabajo.

Al mirar a nuestro alrededor pronto se puede ver cómo el papel está adquiriendo un peso mayor en los últimos tiempos. Los procesos de grabado y estampación han vuelto al foco de artistas jóvenes que buscan experimentar con procesos de producción más artesanales; el collage sigue resultando valioso para crear visuales ‘efectos de extrañamiento’ brechtianos; la versatilidad del papel permite al artista un rango de procedimientos y códigos como pocos al tiempo que resulta un material cercano al espectador… En ARCO 2017, por ejemplo, podían verse en las galerías argentinas (país invitado) numerosas propuestas en papel, ya fueran dibujo, collage o escultura.

 

 

Por supuesto existe también un factor económico en este uso del papel, facilita la producción y la experimentación, permite crear obras más asequibles y responde muy bien a los formatos pequeños, cada vez más habituales. Con este criterio sustancial trabajamos con artistas de disciplinas, y estilos heterogéneos pero que comparten un elemento nuclear común, definiendo una nueva identidad para la galería.

Respecto a la edad, es natural que se tienda a optar por artistas de edad similar, puesto que son habitualmente más cercanos en los círculos sociales y es fácil que haya más referentes artísticos compartidos. Sin embargo nos interesa romper esas categorías en que se ordenan muchas veces las galerías respecto a la edad o carrera de sus artistas, (jóvenes, media carrera,…) porque en un proyecto con una historia como la de La Carbonería nos parece esencial mantener una continuidad no ya estratégica, sino identitaria, que permita percibir la presencia de Maria Jesús también en el trabajo presente; y también porque siendo la única galería de Huesca hay un componente de responsabilidad con el tejido artístico de reflejar diferentes perspectivas que conviven en nuestro entorno.

 

 

Por otra parte, prestamos especial atención a las mujeres, que a pesar de ser mayoría en escuelas de arte y facultades de bellas artes, son expulsadas del sistema artístico al quedar progresivamente relegadas en becas, residencias, mercado y exposiciones institucionales, generalmente porque son hombres quienes copan jurados y esferas de decisión en el sector. Por eso nos parece necesario dar tiempo y espacio a las propuestas de mujeres e ir aumentando su presencia en nuestra programación y representación. Una galería hoy día no puede limitarse a ser un espacio estático de exhibición y venta de arte sino que debe luchar por romper la barrera de entrada que perciben muchas personas no habituadas y construir una comunidad a su alrededor que le otorgue sentido más allá de lo puramente comercial, facilitar el encuentro y generar debate. Nos planteamos organizar encuentros con artistas y otras personas implicadas en el tejido cultural (comisarias, críticos,…), actividades formativas y otras acciones que puedan salirse más de nuestro ámbito como presentaciones de libros o conciertos.

 

 

Identificamos el sector cultural como un ecosistema y hacemos una lectura del mismo en términos de ecología, valorando la sostenibilidad y la diversidad, las relaciones entre lo autóctono y lo foráneo, el peligro de las especies invasivas. Una lectura así de nuestro contexto nos lleva inevitablemente a establecer objetivos a largo plazo y estrategias de colaboración.

Por eso desde el comienzo hemos establecido colaboraciones con entidades de nuestro entorno, sumando nuestra programación a la de otros agentes culturales como Festival Periferias o BFoto.  Además de esta imbricación con el tejido local, también planteamos una proyección al exterior a través de participación en ferias y compartición de programaciones con otras galerías. En noviembre participamos en MARTE Feria Internacional de Arte de Castellón, presentando el trabajo Against Syntax de Altea Grau (Castellón, 1985), que se presentará en la galería en los meses de abril y mayo. Se trata de una feria con un funcionamiento diferente al habitual, en la que son comisarios quienes seleccionan las galerías participantes en torno a un discurso, en nuestro caso, Realidades de Miguel Mallol, a quien habían hablado de la reapertura y confió en nuestro proyecto tras un par de conversaciones cuando aún no había terminado nuestra primera exposición en la sala. Ese apoyo añadido nos permitió participar en una feria con cierta tranquilidad y confianza de poder preparar con Altea una propuesta un poco más arriesgada, lo que resultó en un premio adquisición Naranjas con Arte. Esperamos continuar con la participación en ferias a partir de este verano, durante una primera fase en España y quizás coyunturalmente en el sur de Francia, para más adelante plantearnos ampliar el círculo.

 

 

Al reiniciar la actividad de La Carbonería lo hacíamos con un conocimiento superficial de cuáles son los mecanismos específicos de una empresa de este tipo. Sin embargo, lo hacíamos también con un bagaje de otros ámbitos que nos da pie a experimentar formas de trabajo ajenas con las que inventarnos el funcionamiento de la galería desde nuestro entorno más cercano hacia fuera en lugar de implantar un modelo preexistente.  En cualquier caso, el estudio de otras galerías y, sobre todo, de modelos de funcionamiento (libros blancos y recomendaciones de asociaciones profesionales) han sido esenciales para establecer un marco de acción en el que trabajar.

Por supuesto, añadido todo esto existen galerías que nos sirven de modelo y que además están siempre dispuestas a ayudarnos a encontrar una vía o aconsejarnos en algún asunto. Se trata de galerías con las que nos une una relación personal y que siempre sentimos cercanas Antonia Puyó (Zaragoza), José de la Fuente (Santander), Set (Valencia) y también Espai Visor (Valencia), con quien compartimos (a una escala y con circunstancias diferentes) el vivir un proceso de transición o La Brocha (Bilbao; más tarde Epelde&Mardaras y hoy desaparecida) que nos parece un ejemplo de construcción de comunidad

.

 

 Queremos agradecer a  Joseba Acha  su amabilidad y colaboración. Por último recordar brevemente unas citas del texto del catálogo: cuando el hierro ama la seda, que recientemente escribió Victoria Pérez Royo sobre la obra de Asun Valet,  artista de la galería, que expone actualmente, (del 2 de Febrero hasta el 28 de Marzo)  

Estas obras son a la par un mapa por recorrer, un cuerpo que ha dejado su huella, una escena dispuesta a la mirada, un movimiento que pide compañía, o un tiempo que se dilata y acelera, entre otras muchas cosas. Describirlas en relación a uno solo de estos aspectos sería parcial e incompleto. Por eso este texto invita a observarlas a través de una constelación de varias de sus muchas facetas, de modo que cada visitante, de acuerdo con su sensibilidad, interés y curiosidad, pueda decidirse por recorrer las pinturas en un sentido o en otro.

Escena.
Este cuadro es una escena. No es un teatro o un patio de comedias, no hay un exceso de artificio, no hay representación, no se apela con recursos y disfraces a la persona que observa. Pero sí es una escena, una arena donde se desarrolla el drama, el conflicto que se expone a la mirada. Este consiste en el encuentro y la interacción entre materiales, direcciones, colores y texturas: el hierro con el papel, lo rugoso con lo sedoso, el rojo con el gris, la línea con la superficie, el chorro de pintura con la aguada, lo pesado con lo leve.                                                                                                                               

Victoria Pérez Royo

 

 

ENLACE    La Carbonería

ENLACE    Asun Valet

ENLACE    Victoria Pérez Royo